projekte

beWegte Rebzeilen

Inspiriert durch die Kaiserstühler Reblandschaft, interpretiert dieses Kunstprojekt die linienförmigen Rebzeilen auf neue Weise. Geschwungene Rebzeilen führen uns auf einem neuen Weg durch die Zeilen und lassen uns die Weinberge spielerisch neu erleben.

Das Kunstwerk „beWegte Rebzeilen“ steht in Wechselwirkung mit den regelmässig geordneten Rebzeilen und unterstreicht die Schönheit der Kaiserstühler Reblandschaft. Die „beWegten Rebzeilen“ sind aus Rebbau-Materialen erstellt, die künstlerisch abgewandelt sind: Weiß gestrichene Pfosten aus Holz heben sich von der umgebenden Reblandschaft ab. Durch die unterschiedlichen Abstände der Pfosten ergibt sich ein Wechselspiel von Geschlossenheit und Offenheit. Die Pfosten, die durch Rebdraht miteinander verbunden sind, sind teilweise schräg gestellt, was einen interessanten Schwung der gesamten Rebzeile erzeugt.

Das Kunstwerk ist von Menschen für Menschen geschaffen worden, die sich mit der Kaiserstühler Landschaft verbunden fühlen. Einzelpersonen, Firmen, Betriebe und Institutionen haben eine Patenschaft für einen Rebpfahl übernommen und haben somit das Kunstprojekt nicht nur ermöglicht, sondern sind auch ein Teil dieses Kunstwerkes geworden.

Thin Spaces / Espaces Minces

This exhibition showed, through large-size models and installation, a perceptual experience in which the space of the exhibition room was altered and modified. The presented work was a continuation of previous researches funded by the Conseil des Arts et des Lettres du Québec. These photographic collages are a sequel to an installation I realized while being architect in residence at the British School at Rome in 2009. While at the BSR I documented many examples of Trompe l’œil present in Renaissance and Baroque architecture, in Rome and elsewhere in Italy.
I looked at the discovery and development of the Perspectiva Artificialis which allowed architects such as Pozzo, Borromini and Bramante to virtually expand and distort space with the use of frescos, accelereted persepectives, and anamorphosis.

This installation attemps to ''renovate'' portions of the room with fake Italian materials (digital photography and Photoshop have replaced the painted fresco) and new openings offering unexpected views to the exterior of the exhibition room, thus transforming our perception of the space and our expectation of what lies outside of it.

January 6 to 21 , 2011, School of Architecture, McGill University, Montréal, Québec, Canada

An exhibition gathering conceptual models and installation work by architects Suresh Perera and Pierre Gendron.

Réinventons la ruelle!

Une ruelle composée de 2 rangées de 11 macro-maquettes, disposées face à face et à hauteur du regard, propose la réflexion et les solutions pratiques, esthétiques, innovantes de 22 architectes, paysagistes et designers pour aménager ce nouvel espace de la vie contemporaine (privée, familiale, et de voisinage) que les Montréalais investissent de plus en plus : soit la façade et la cour arrière de leur maison en rangée, depuis la tranche la plus privée (cuisine, terrasse, balcons, rallonges) jusqu’aux zones de jeu, de voisinage (cour, jardin, etc.) et d’espaces de citoyenneté.

S’inspirant de l’univers bricolé et hétéroclite de la ruelle qui échappe aux conventions formelles de la rue, Duplex+ est un projet hybride composé de deux habitations superposées l’une sur l’autre. Les deux premiers étages sont occupés par une maisonnette (duplex) alors qu’au troisième étage est situé un appartement qui s’étire jusqu’à la ruelle dans le but d’offrir un accès privé à celle-ci. Les espaces extérieurs résultants de cette combinaison s’assemblent pour former une cour arrière à la fois pratique et contemplative. Les éléments qui composent cette cour - un abri d’auto et de vélo, un patio, un jardin vertical, un escalier, un bassin d’eau, une chute à déchets et une chute à compost – reprennent et réinterprètent le vocabulaire formel et fonctionnel de la ruelle montréalaise.

Exposition collective à la Maison de l'architecture du Québec, Montréal, Canada, du 27 mai au 20 décembre 2011

Commissaire de l'exposition: Maison de l'architecture du Québec

Photos: Alain Laforest / MAQ

"Sehnsucht", 2010 Venice Biennale

Schöpferisches Gestalten ist eine Sehnsucht nach etwas, das noch nicht existiert. Der Schaffensprozess beginnt mit einer Vision, aus der durch ständiges Ausprobieren und Weiterentwickeln bisher Unbekanntes entstehen kann. Architektur, als kreative Disziplin, erfordert eine solche Arbeitsweise. Der lange architektonische Prozess, erfordert Geduld, Hingabe und kreative Vorstellungskraft, um am Ende das Ziel zu erreichen. Von der ersten Idee bis zum fertigen Projekt wird viel Zeit für Entwerfen, Zeichnen, Ändern, Verfeinern und Überprüfen benötigt; viele Wiederholungen sind notwendig bis endlich ein Gebäude entsteht.

Zeichnen gehört zur Architektur. Der Architekt denkt mit der Hand, die zeichnet. Auf der Suche nach dem Unbekannten wird eine Idee immer weiter entwickelt und nimmt Formen an. „Zeichnen“ oder „Skizzieren“ bedeutet „Suche“ oder „Sehnsucht“. Beim Zeichnen entwickelt sich eine Sehnsucht, die die Kreativität ankurbelt. Zeichnen ist also ein Begehren, das Unbekannte zu finden.

Die einzelnen Linien fügen sich langsam zu einem Gesamtbild zusammen, in welchem die Bewegung der Hand ablesbar ist. Die unvorhersehbare Bewegung der Hand lässt eine Gesamtstruktur entstehen; ein Resultat der schöpferischen Gestaltung. Jede Bewegung der Hand sucht nach Perfektion. Es ist die Suche nach der perfekten handgezeichneten Linie, insbesondere in dieser vom Computer beherrschten Welt.

Erst nachdem die letzte Linie gezeichnet ist, ist die Zeichnung vollständig. Letztlich ist die Sehnsucht ein Sehnen nach der vollendeten Zeichnung. Erst dann kann man die verschiedenen Facetten entdecken: Tiefe, Schatten, Bewegung, Transparenz.

Drawing included in the exhibition “Sehnsucht”
Biennale Architettura 2010, German Pavilion,
Giardini, Venice, Italy
29 August - 21 November 2010

“Sehnsucht” is a three-dimensionnal portrait of the “yearning” in contemporary architecture. Exhibited in the main space of the pavilion are interpretations of the theme “Sehnsucht” (yearning, longing) by a selection of over 150 German architects and creative minds from the arts world. Original hand drawings communicate their feelings, visions, and emotions.

Commissioners: Die Walverwandtschaften - München Zürich Boston (Cordula Rau, Eberhard Tröger, Ole W. Fischer)

see exhibition website

Don't Look Away

BSR Modification Project: a Trompe l'oeil experiment

This installation project is another interpretation of the research done in Rome and Italy on seminal examples of Trompe l'oeil and optical and spatial illusion in Renaissance and Baroque Italian architecture. The gallery space was taken as the basis of the project and as a space to modify. The ''Perspective Machine'' (a plywood framed opening in a wall) was used as a frame to take photographs of different views around the School. The result is a perceptual experience in which the visitor is ''fooled'' (trompé) in thinking that the ''printed windows'' are ''almost real''. The series of fake windows framing views of different elements surrounding the building become a way of situating the visitor (sometimes in unreal, fictional ways) in relation to the exterior.

This project was made possible by the Conseil des Arts et des Lettres du Québec.

The British School at Rome, 13-20 june 2009

Don't Look Away is the final exhibition for 2008-2009 of the the British School at Rome Fine Arts Programme, directed by Jacopo Benci. The exhibition - supported in part by Photoworks and the Conseil des Arts et des Lettres du Québec - presents new works by artists Katie Cuddon, Graham Durward, Celia Hempton, Eddie Peake, David Spero, Amikam Toren, and architects Joseph Bedford and Pierre Gendron.

Acknowledgments: Marianne Bär-Gendron

Academy Architects at the Acquario

fake spaces: mapping the illusion

This research focuses on the documentation of examples of optical and spatial illusions found in Renaissance and Baroque Italian architecture. This research on the “art of visual deception” (lo inganno degl’occhi) acts as a foundation for architectural experiments dealing with the perception of “fake” spaces. The generated work is an attempt to distort the visitor’s experience of space while experimenting with perceptual complexity and ambiguity.

Surface / depth

Many examples of painted spaces were looked at in order to understand the possibilities of representing depth on a flat surface, or to visually expand space. Also, examples of false perspective, foreshortening, and other spatial techniques to modify the visitor’s perception of space were documented in Rome, Milan, Florence, Vicenza and Venice. fake spaces is thus a reinterpretation of perceived spaces by Bramante, Bernini, Borromini and Palladio, as well as Pozzo’s painted spaces, and Peruzzi’s Villa Farnesina, among others.

Scale 1:1

In principle, all architectural “project” (i.e. a “projection” of a built, future project) is a representation, an illusion of the “real”. fake spaces seeks to exploit the possibilities of 1:1 scale and of “illusion” to create a future architecture. At the same time, it creates an ambiguity between what is “real” (or the “built” project) and what is a “representation” (the “not yet built” project). After all, it asks the question: Are the villa Farnesina or San Ignazio di Loyola’s dome “real”? Is this panel that you are presently looking at “real”? Does contemporary disposable architecture tend to be real or just temporary and fake?

Materiality

Working at scale 1 :1 in an attempt to create the illusion also means to “fake” materiality. If Pozzo and Peruzzi used paint, perspective and quadratura techniques, photography and Photoshop can be used today. A photographic mapping of different materials found in Rome, ancient and contemporary, thus becomes the “material library” used to construct the illusion.

2D / 3D

In order to convey space and depth, 3D physical models at different scales were used as “stage sets” and then re-assembled at 1 :1 scale to form a complete image. Working with models such as a real plywood window frame, or wall opening, is also an attempt to bring the conception of architecture closer to the actual world, with actual, “real” fabrication and bodily perception, rather than conceiving an architecture of a reduced scale.

Casa dell'Architettura, Rome, 3-19 june 2009

Academy Architects at the Acquario is a group exhibition with architects from the Accademia di Romania in Roma, Istituto Svizzero di Roma, American Academy in Rome, Accademia di Danimarca, The British School at Rome, and the Real Academia de Espana en Roma.

Curator: Shara Wasserman.

Cartographies de l’illusion; reconstruction d’espaces perçus

Une illusion est, par définition, une “erreur de perception causée par une fausse apparence”. Transposée en architecture, l’illusion n’est pas qu’une simple image; elle se déploie dans l’espace. Le but de ce projet fut de documenter et de cartographier plusieurs précédents Italiens de l'époque Baroque et Renaissance et de reconstruire, à l’aide de dessins et de maquettes, l’espace tel que perçu. Cet exercice était donc une exploration sur la perception et l’interprétation d’espaces architecturaux qui furent conçus et calculés dans le but de tromper la perception du visiteur. Ces méthodes de “calcul de l’illusion” étaient à l'époque de véritables “innovations technologiques”; la perspective calculée mathématiquement, (la perspectiva artificialis), de même que l’anamorphose, la perspective accélérée, et la perspective ralentie étaient les outils de "réalité virtuelle" dont disposaient les architectes de l'époque.

Résidence de recherche et création en architecture du Conseil des arts et des lettres du Québec

The British School at Rome, 2009

Francesco Borromini, Palazzo Spada, Rome.
Photo: Pierre Gendron 2009

Andrea Pozzo, corridor, Chiesa del Gesù, Rome.
Photo: Pierre Gendron 2009

Jardins Éphémères Espace 400e Competition

4X100

400 wooden posts (the ubiquitous 2''x4'') are installed on four superimposed grids of different densities. Time and the gradual densification of New France's territory are thus represented in built form. A year from 1608 to 2008 is inscribed at the top of each post along with a word. The chosen word triggers associative thoughts and ideas for the visitor; the history told in this garden is not clear, linear and straightforward, but is instead open-ended and participatory. The arrangement of the posts invites the visitor to wander across the garden and to find its own way, as well as to make its own imaginative story of Québec City.

Conceived by the Atelier Pierre Thibault, architect, and the Société du 400e anniversaire de Québec, the competition for the Ephemeral Gardens of the 400th constitutes an artistic event where creators from various horizons were invited to conceive and realize an outside space around a general theme and by means of mediums combining various elements, among which the vegetable and mineral materials, light, sound and smell. Following the November 2006 launch, 96 propositions were received coming from Canada, the United Kingdom, France and the United States adding up to 240 candidacies of professional creators and newcomers, architects, landscape architects and visual artists.

Selected finalist project, special mention of the jury. Québec City, 2008

Project team: Pierre Gendron, Katherine Lapierre, Stephan Kowal

70 architect(e)s on Ethics and Poetics

One foot X one foot X one second is a mapping of time. A one second video fragment of a train journey is decomposed into a depth of 30 frames. Different elements such as a bench, a light post, the roof of a distant house and a train station sign are isolated in order to understand their position in space. The number of frames in which they appear is an index of their distance relative to the train. The light of the camera focus, visible for 7 frames (a quarter of a second) shows the position of the observer.

What are the real architectural dimensions of a cubic foot? Organized to celebrate the 20th anniversary of the History and Theory of Architecture Master’s and Doctoral program at McGill University, the exhibition featured the work of 70 Canadian and international architects.

Group exhibition at the Centre de Design de l'UQAM, Montréal, 20 september - 21 october 2007

concours ARQ 2006: Villabyrinthe

Ce projet examine un élément fondamental du labyrinthe: le mur comme limite. La méthode de représentation crée une lecture complexe d'un parcours simple et linéaire. Le temps est utilisé comme méthode d'ordonnancement et les nombres présents sur la planche créent un ordre subtil, où, à la manière de Dédale et de sa création de Knossos, seul le créateur connaît la logique derrière l'oeuvre.

Ordre / complexité

Une contradiction est établie entre la direction du parcours filmique et sa lecture sur la planche. Alors que la vidéo fut enregistrée de droite à gauche, les séquences fixes furent assemblées dans le sens de la lecture, soit de gauche à droite. Ceci crée une impression d'incompréhension si l'image est regardée rapidement, car une discontinuité y est présente. Chaque image doit être regardée une à une, de façon à adopter le rythme réel inscrit sur la planche. Une logique claire est sous-jacente à la création de cette complexité; la méthode utilisée conserve quatre images par seconde, pour ensuite les rassembler une à la suite de l'autre sans souci de "style" ou de "goût".

Opacité / ouverture

La documentation du mur nous montre une surface opaque, qui change régulièrement de texture, allant du lisse au rugueux, de la surface matte à une plus réfléchissante. Tout au long du parcours visuel, une impression d'impénétrabilité envahit le spectateur. La présence de signes tel que "stationnement interdit" et "surveillance par caméra" ajoute un sentiment de malaise. Vers la fin du parcours, la paroi semble plus claire, animée par une série de fenêtres accompagnées de végétation. Peu après, Le mur se termine et l'espace s'ouvre sur une rue; des gens courent, et un contact avec l'autre est enfin possible.

“Le plus célèbre des labyrinthes, celui du Minotaure qu’a combattu Thésée et qu’il a pu quitter grâce au fil d’Ariane nous réfère tout d’abord au concept de l’inextricable, de la complexité. C’est d’abord à ces idées que s’adresse le Concours ARQ 2006. Les citations ci-bas [La ville labyrinthe, Le vil labyrinthe, La vie labyrinthe] serviront donc de référents à vos réflexions et à vos longues élucubrations qui, il va sans dire devront vous inspirer au delà du simple niveau de l’illustration.
[...]
S’il n’est pas pertinent d’inventer un réseau de chemins tortueux dont on aurait peine à sortir ou le plan d’un jardin aux chemins entrelacés par contre, sans en faire une illustration, comment, par une image d’ordre métaphorique, pourriez-vous arriver à interpréter l’une ou l’autre des trois citations présentées ci-haut [La ville labyrinthe, Le vil labyrinthe, La vie labyrinthe] dans le cadre général du concours?”

premier prix, ex-aequo

projet publié dans la revue Architecture-Québec:
“Villabyrinthe” ARQ No. 140, “Jeunes Pratiques”, août 2007

Shinkenshiku residential design competition 2004: House of Multiple Dimensions

Einstein’s discoveries overthrew Newtonian ideas, and yet most of us still see space and time in absolute terms, while the passage of time depends on our state of motion. In ‘The Elegant Universe,’ Brian Greene seeks to resolve the incompatibles of General Relativity and Quantum Mechanics through String Theory, requiring that we drastically change our understanding of space, matter, and time....
A small house of 250m2 could act as an experimental probe into an architecture of more than four dimensions; the experiential phenomena of the house will be a crucial factor. The house should also be inhabitable. Materials, from molecular aspects to geometric properties will be important as will space and time. The house will act like a “thought experiment.”

Steven Holl

Flathouse

The form of the Flathouse was generated from three perspectival points of view – “ideal” views where space appears to be flat.

Two outside points are located at opposite ends of the house – at these points the house appears flattened; an indoor point also flattens the perception of the space. From these points of view, the space of the house are developed in a perspectival method, in lieu of the more conventional orthographic method.

From these crucial points, the volumes – and third dimension of the house – are distributed, always respecting the privileged points of view.

By negating foreshortening in the construction of the house, the dimension of depth collapses, thus creating a tension which makes space momentarily oscillate between two and three dimensions. This tension present in the “flat” moments of the house is akin to anamorphosis, a distortion where an image appears to “lift off” the surface and float in a virtual space.

Anamorphosis allows to conceal in a single glance, one or more dimensions of spacetime reality. In this way the totality can only be misread, as one must leave a certain position to perceive what seem to be otherwise hidden or non-existent dimensions. As one advances, a threshold is crossed into a realm of dimensions going beyond the projected appearance.

In this manner, the hidden dimensions of the Flathouse can only be seized through one’s movement.

At the two outside privileged points of view, the Flathouse’s facades appears as either orthogonal vertical strips, or at the opposite end, as a “stereotypical image” of a house, both facades being in fact oblique walls and ramping walkways.

The crucial interior point of view is located at the threshold (entrance corridor), revealing a reassuring orthogonal geometry of the house. The interior space of the house is generated from this point of view. As one progresses through the house from this point, the idealized anamorphic view is distorted (the proposed perspective goes awry), as to reveal the true geometry of the house and its spaces. For example, what appears to be the wall of an enclosed space, is in fact a ramp to a mezzanine, and what seems to be a vertical window at the end of the mezzanine, is in fact a skylight.

The Flathouse proposes an open living space with dinning area and lounge, overlooked by a mezzanine, a counter surface for food preparation, a shelving/partition unit, and a sleeping quarter at a lower level.

Project team: Pierre Gendron, Katherine Lapierre, Stephan Kowal